Le Fond marin du Delta de l'Èbre

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La prolifération inquiétante du crabe bleu du Maryland met en lumière la vulnérabilité de nos écosystèmes et les interdépendances profondes entre nature, économie et société. Cette espèce invasive ne remet pas seulement en question les équilibres écologiques : elle nous oblige aussi à repenser la nature même des paysages contemporains — ces espaces matériels et culturels où s’inscrivent, en palimpseste, les strates de notre histoire. Callinectes Sapidus nous montre un passé rendu obsolète par le changement climatique ; et les futurs possibles qui sont déjà inscrits dans nos mémoires synthétiques.
À travers l’invention d’un processus de représentation du paysage sous-marin du delta de l’Èbre, cette recherche explore l’évolution du paysage. Elle interroge notre rapport au vivant et à sa symbolique, notre relation aux images et aux récits, ainsi que notre relation à la mémoire : paysages matériel, cinématographique et culinaire se mêlant pour nous donner les pistes de notre avenir. Cette réflexion prend la forme d’une édition d’art en 85 exemplaires numérotés.

Les apparences sous-marines

Avant les effets numériques, le cinéma hollywoodien utilisait la fumée pour simuler les paysages sous-marins. Elle était le révélateur de cette profondeur de champ spécifique, du proche lumineux au fond obscur. C’est la même chose ici : sur le papier, les fumées aromatiques de différentes essences de bois se déposent en pellicules pour faire apparaître après un long processus, les reliefs d’un littoral préalablement composé.

On suit un protagoniste : le crabe bleu du Maryland, Callinectes Sapidus, dans son exploration du Delta de l’Ebre, de sa faune, de sa flore, de ses objets et de ses coutumes. Il traverse des paysages fictifs mais plausibles, composé avec des faux-semblants et avec des échantillons récoltés.
Il nous fait passer par un laboratoire de biologie rudimentaire, où l’on dissèque, décortique, effeuille, où l’on prend des empreintes sur des fragments de cadavres : les gestes de la représentation naturaliste deviennent alors le médium d’une resymbolisation du vivant, en résistance à la désymbolisation marchande de l’aliment.
Il nous amène dans le Delta de l’Èbre, à la découverte d’un espace façonné par les ingénieurs du régime franquiste. On y découvre les architectures et les techniques de la conchyliculture, les artefacts des activités de plaisance, et les coutumes d’une culture populaire, «balnéaire fluvial».
Enfin, il nous ramène à nos souvenirs du Maryland, tels qu’ils se sont recomposés autour des œuvres culturelles que nous voyons — et dont il était, sans que nous le sachions, le protagoniste.
Arroz en Catalogne, crab cakes à Baltimore, l’Instituto Nacional de Colonización, les séries HBO et l’ISS… Ce crabe nous montre les substances d’un paysage intranquille. Entre les ballasts des cargos, les soutes réfrigérées des avions, les grands migrateurs et nos souvenirs synthétiques, Callinectes Sapidus nous raconte l’histoire du contemporain.

NAXOS

Suite à son voyage de noce dans la mer Égée, Adolf Loos, architecte pionnier de la modernité, publie son pamphlet "Ornement is crime". En résidence à Naxos, au cœur de ce même paysage, j'enquête sur le blanc omniprésent des Cyclades qui a inspiré cette modernité.
J'enquête, dans ce blanc, sur l'ornement que la modernité a rejetté.

LE PAYSAGE

En utilisant la géométrie des miroirs Fresnel, 9 panneaux en haut-relief, décomposent et transmettent les couleurs de lumière de l'environnement : dans le blanc pur de la poudre de marbre, apparaissent les teintes des montagnes (de l'ocres au pourpre), et du ciel (du bleu au jaune brillant). En juxtaposant ces lumières les unes aux autres, en les déposant sur ce médium blanc qui fait l'architecture de l'île, ce tableau dépeint une des essences de ce paysage.
L’œuvre est située dans son environnement. Elle a des coordonnées gps. Dans les marges de ce haut-relief, des fragments de cartes de l'île l'attache au lieu..

L'ÉTÉSIEN

L'étésien, c'est le vent de la mer Égée, celui duquel l'urbanisme spontané de la vieille ville se protège. Dans le dispositif de la citadelle de Naxos, la chapelle se trouve en position de contrefort, face au nord, face à l'étésien. Avec le temps, le vent a laissé ses traces dans les enduits : "un ornement" du climat, fragment d'un monument sans ouvrier ni architecte, transfiguration de la puissance et de l'habilité des îles.
Avant la rénovation annoncée de la façade, j'en fais l'archéologie préventive. Ce petit fragment de quotidien est prélevé puis figé dans un atlas de 3 pièces montrant 9 fragments de la façade.

Les jours de vent : les rues se couvrent des débris des végétaux les plus symboliques de l'est méditerranéen : les fruits du caroube et les feuilles d'olivier, deux substances vitales de l'économie, de l'antiquité jusqu'à aujourd'hui. Posés sur le marbre des ruelles, c'est un fragment expressif du paysage de l'île.
Si l'or rappelle que la graine de caroube était utilisé pour la pesée des échanges commerciaux (du caroube viendrait le "carat" d'or), il montre aussi que ces fragments ne sont que des apparences : de petits blocs en peintures pures, qui tentent d'imiter le monde.

"PORTARA"

Chaque soir, en septembre, des centaines de personnes se dirigent vers Portara. Touristes oisifs, certains en tuniques blanches, marchent en procession vers le temple d'Apollon pour fixer le soleil. Culte païen ou culte du soi et d'instagram... là se rencontrent dans les faits, les corps, l'architecture, le paysage et un évènement cosmique : une piste de la sobriété.
Une série de dessins décrit les gestes esthétiques, populaires, vains et impossibles, que font en masse ces personnes pour faire tenir le soleil dans leurs mains.

L'IMPRESSION ET L'EMPREINTE

D'UNE LONGUE MARCHE EN FORET

Comme un conte, cette œuvre est une médiation entre nos sens et notre environnement. La magie d'une forêt c'est inexplicable vraiment, donc on parle de trois fées, ou d'un loup ou de la rhizosphère. Cette oeuvre veut rendre palpable et tangible la lumière des sous-bois auvergnats : la mettre sous le nez du visiteur, et qu’il la touche… En utilisant le principe de la camera obscura, l’installation produit un tableau peint avec la lumière recueillie dans le paysage. Ce tableau évolue constamment, au grès du mouvement des ombres et du ciel. C'est un geste impressionniste qui donne à voir, plus que l’image, la matière lumineuse et sensationnelle qui la compose.
Cette abstraction, cette image qui se recomposera sur les tableaux de l’installation, veut être une pédagogie du regard désinhibé : celui qui prend le temps ; celui qui s’attarde sur les variations du climat, des ombres, des plantes, et de l’humidité ; celui qui s’émerveille de l’apparition de légères variations ; celui qui, devant un moment commun et quotidien, se met à voir un peu différemment.
L'Impression et l’empreinte (d’une longue marche en forêt) est une oeuvre expérimentale.
L’installation est composée de 60 dispositifs optiques qui projettent 60 points de vue légèrement différents sur un même écran, offrant à son regardeur le don temporaire d’ubiquité sur une petite parcelle de forêt. L’écran est composé de 8 tableaux en résine sur toile de lin tendue sur châssis (le matériaux et la techniques du peintre). Ce sont des pièces uniques, résultat d’un processus d’atelier qui mélange des empreintes de sol, de murs, de tronc, dans des compositions qui s’inspirent de cartes, de contes et de paysages.
À travers ce dispositif épais, l’oeuvre propose à son visiteur une exploration immersive : de l’image qu’elle produit ; du dispositif optique qu’elle utilise ; de la surface de ses tableaux qui laissent peut-être apparaître ici un visage, là trois silhouettes, et ailleurs le relief d’un Puy ou le contour d’un lac. Mais l’installation propose aussi une immersion dans une situation de la forêt du Sancy. Elle s’installe en marge des chemins. On l’approche de face, puis on « entre » dans un espace que la forêt aura d’elle-même délimité : un rectangle de 6 x 4,5m (27 m2, la taille d’un salon). À son maximum, l’oeuvre mesure 2,14 x 6m, (un format proche du cinema). Un banc parachève cette composition entre sous-bois, installation et image projetée. Ça donne l’impression d’un espace familier dans lequel passer un peu de temps, dans lequel cultiver son rapport à l’image, à la lumière et au temps.

L’EXPERIENCE

Au pied de grands ensembles de paysages (dont le Sancy lui-même), le massif propose une succession de paysages qui se découvrent, sans s’annoncer, les uns après les autres : une tourbière dans un vallon succède à une prairie où broutent des Aubracs, qui succède à une route de sous-bois, qui succède aux orgues d’une formation volcanique…tout ça, formé au grès de légères variations de relief, d’altitude, d’exposition, et d’utilisations des sols par l’homme.
Se promener là, c’est déplier toute la richesse et la diversité de cette collection de « paysages de poche » et de cartes postales. Le déroulé de cet ensemble de situations, c’est le lieu d’une opportunité : celle de construire un récit précis, attentif à ce qui est là ; celle de fabriquer une oeuvre qui profite de son environnement pour être complète ; celle de fabriquer une oeuvre qui s’arpente.
Il suffira de survivre à la première journée parce qu’au bout du compte, cette succession de petits jardins, de points de vue, de forêts, de troupeaux… ben c’est vraiment beau, ça fait impression, ça émotionne. À la seule échelle de la forêt de Chandèze, entre la route qui y amène, la répétition mimétique d’épicéas, les buissons de myrtille et les fraisiers, les clairières… on y arrive déjà époustouflés. Avec les morceaux de mon oeuvre sur l’épaule, je me rends compte que le mot « vain » a la même racine que le mot « vanité » : moi, j’aurais quelque chose à apporter là ? Moi, j’aurais quelque chose à montrer là ?
Et en même temps c’est le fil conducteur de mon travail : il n’y a rien à faire et tout à regarder. Il suffit donc de passer la première journée pour entrer dans le travail : prendre « possession » du lieu, c’est-à-dire y prendre ses habitudes… et on recrée alors cet atelier d’extérieur, idéal et nécessaire pour créer une oeuvre qui s’expose au dehors, une oeuvre travaillé par le dehors et qui sera parafé par le paysage. Et alors, on profite de la liberté qu’on nous a laissé pour choisir un site avec précision, pour adapter l’oeuvre à la situation dans laquelle on l’implante, et pour construire une spatialité familière, dans un lieu où on est pourtant vulnérable au temps, à ce qu’il y a dans le sol, aux branches qui vous visent les yeux, au bourdonnement constant, et aux piqûres de moustique.
Conclusion logique d’un processus qui se déploie dehors : l’oeuvre se découvre petit à petit à mes yeux. L’expérience que je propose au visiteur, c’est aussi une expérience que je me réserve à moi-même, et sur moi ça marche. Cet écran qui embrasse le paysage, cette machine qui veut me donner des yeux, c’est une invitation à la lenteur comme projet et comme moyen de résistance.

Rapport à l'ombre / à la lumière.
L'étude des profils de réfraction pour l'engravure des panneaux de résine (ou la recherche vaine et indispensable de la perfection astronomique).
L’œuvre détourne la lumière selon un angle de 18,75° - c'est cette altitude du ciel que l'on perçoit au travers des tableaux transparents.
Ainsi, à 18,75°, se crée le moment d'un coucher de soleil à la surface de l'étang de Clermont, en perçant l'horizon des jardins.

DISPOSITIF.

Il s'agit d'une surface de 2,1x 5 m, travaillée pour capter et réfléchir la lumière naturelle en direction d'un des espaces de pénombre que crée la végétation autour des canaux. C'est organiser un coucher de soleil sur l'eau douce, qui fait l'écho géographique à la baie de la Somme, écho historique aux artistes d'Amiens qui ont peint la lumière opalescente de ce paysage, écho au miroitement constant de ce paysage entre eau et jardin.
Au sein de cette structure simple, les dispositifs qui travaillent la lumières et les reflets sont multiples et conçus comme des œuvres à part entière.

RENDEZ-VOUS.

La lumière a la temporalité changeante du cosmos. Cette proposition accompagne la course du soleil et changera au fil des jours, au fils des heures, se montrant toujours renouvelée. Mais il y a un moment, un jour et une heure qui fait rendez-vous (comme un coucher de soleil fait rendez-vous) : lorsque les reflets convergent pour se tendre à l'horizontal de l'étang. Cette temporalité, c’est une invitation discrète à une performance qui organise la rencontre du corps et de la lumière dans le paysage.
Elle est chaque jour renouvelée et un peu différente, elle peut disparaitre le temps d’un jour de pluie, et s'amplifier au moment où l'horizon se dégage. Adressée à chacun dans la liberté de son mouvement, cette temporalité de l’œuvre devient le vecteur de l'appropriation du paysage.
"LORSQUE LE SOLEIL TOUCHE LES 20° D'ÉLÉVATION, L’ŒUVRE S'ILLUMINE EN DÉVIANT LA LUMIÈRE QU'ELLE SAISIE DU CIEL.
D'ABORD AUSSI PUISSANT QUE LE SOLEIL LUI-MÊME, PUIS AUSSI PUISSANT QUE LE CONTRASTE D'UN HORIZON PLONGÉ DANS LA PÉNOMBRE, CE "SIMULACRE" SE POURSUIT JUSQU'À L'OBSCURITÉ.

"La vision s'opère par l'intermédiaire d'images qui pénètrent dans l'âme." ; "De tous objets sortent des atomes calqués sur ceux dont cet objet est formé, mais plus subtils: ce sont les images (eidôlons)" ; "l'image se produit dans l'air situé dans l'intervalle entre la vue et l'objet vu, qui est comprimé et frappé par l'objet visible et l’œil qui voit, étant donné que toute chose émet toujours quelques effluves"
Bien que mauvaise à expliquer la vision, la proposition de Démocrite contient des substances qui peuvent interroger les invisibles de notre condition contemporaine. En effet, 40 ans, même 80, ne suffisent pas à estomper l'exaltation que chacun ressent au moment d'un coucher de soleil : cette substance qui est forgée entre l’œil qui voit et l'objet qui éblouit, peut-être qu'on peut l'appeler la suspension du temps. Combien de temps de la vie, combien de moments de paix ou d'effervescence avons nous eu devant un spectacle si simple et quotidien ? Combien de paysages nous se sont imprimés dans nos mémoires parce qu'ils se baignaient d'une lumière particulière ?

LE FUTURE, L'ARCHITECTURE.

Il y a quelques années apparaissait "nightshift" sur nos téléphones. Cette innovation a une place particulière car elle prend acte d'un héritage pré-prométhéens. Si l'écran se teinte d'orange, c'est que nos sécrétions hormonales dépendent des longueurs d'onde de la lumière. On nous dit là, maladroitement, que le jour et l'ampoule ne sont pas équivalents, et qu'un coucher de soleil continue à affecter la chimie du sang, des centaines de milliers d'années après avoir maîtriser le feu. L'ère "thermo-industrielle" a rempli notre vie d'ampoules, d’interrupteurs et d'écrans. C'était l'ambition d'un progrès humain qui duperait autant le cosmos que nos physiologies.
Mais l'option de sobriété qui intéresse ma démarche, c'est celle où apparaîtraient des moments à énergie nulle, dans le flux électrique continue du quotidien contemporain. Et le climat, c'est l'un des lieux évident de ces moments de décélération : le coucher du soleil, les cirrus pourpres des équinoxe, la pluie... tous ces spectacles, populaires, interpellent jour après jour. Et cette proposition veut le formuler dans une œuvre qui s'appréhende d'abord par sa matière principale : la lumière.
L’œuvre sera l’espace qui se dessine dans cette distance, entre un corps et une lumière. Ainsi, s'écrit le programme de cette installation : habiter une lentille d’exaltation des phénomènes lumineux de ce morceau de paysage. Puis, faire rendez-vous, faire quotidien, faire performance collective.

LE 15 MARS 2020

«Nous nous ennuyons dans la ville, il n’y a plus de temple du soleil (…) Nous ne prolongerons pas les civilisations mécaniques et l’architecture froide qui mènent à fin de course aux loisir ennuyés. Nous nous proposons d’inventer de nouveaux décors mouvants. L’obscurité recule devant les salles climatisées : la nuit et l’été perdent leurs charmes, et l’aube disparaît. L’homme des villes pense s’éloigner de la réalité cosmique et ne rêve plus pour cela. La raison en est évidente : le rêve a son point de départ dans la réalité et se réalise en elle. »¹

Je veux dédier le temps de cette résidence à faire le récit des actions de ce territoire. On nous a prévenus : la transition est une préoccupation devant laquelle les Potringus et Sanclaudiens ne sont pas crédules. Et les premières rencontres ont pu vérifier l'intuition : à ceux qui nous ont demandé avec défiance nos prescriptions, nous avons répondu dans les termes du projet : “vous en êtes à l’acte ; nous sommes venus, témoins... Ailleurs, nous racontons cess projets et ces paysages, et l’auditoire est ébahi. Avignon-Lès-Saint-Claude c’est comme le temple de Delphes où réside la Pythie. ”
Car l'écologie de ce territoire a ce sens de réalité.
Nous l’avons entendu : « je n’avais jamais vu le pré si sec », « il y a deux étés, on pouvait pas parler sans avaler de pyrales », « pas de neige à Noël et skie en avril = moins joli » ; « ma dernière ruche est morte il y a quelques temps [...] pour la première fois cet été, le puis a tari ».
Qui voit sa nature si bouleversée de l’effet nu du changement ? Ailleurs, il y a toujours des diversions : « y’a plus d’eau dans l’Artière... mais c’est surtout ce p*ain de Limagrain qui pompe tout en amont ».

Nous voyons vos Charybde et Scylla : sous vos yeux, les paysages changent, les forêts changent, les champs changent, les rivières changent... Et il y a cet écho lointain de réprobation : injonctions à la maitrise de votre mobilité (votre dernière dépense), venant de ceux (urbains) qui "à l’amour ont choisi le vide-ordure automatique".

Car l’action politique, ses pieds ne touchent que le tapis des métropoles sans en connaitre les terroirs ; elle aura, par exemple, abattue votre premier prototype de centrale : ce projet de bon voisinage énergétique qui exploite l’agilité de la nouvelle condition diffuse de la technologie. Vous avez dessiné les cadastres solaires ; vous aviez choisi la gouvernance par bassin de vie, inquièt du trajet des électrons dans le réseau... et ça a été saboté. Tout ça doit laisser un goût amer, alors que c'est votre paysage qui change le premier sous l’effet de la nouvelle chimie du ciel.
Enfin... vous savez tout ça...
Qu’est-ce que l’hacienda ?
Un lieu d’échange de conseils en probité où l’un dit à l’autre : « si tu as ton toit à refaire, une installation d’énergie ça vaut le coup » ; « ouèè, la cellule photovoltaïque elle vient encore de Chine et ça rejette du CO2, avec le même crédit d’impôt pense au thermique : plus simple et ça marche... on ne chauffe plus autrement » ; "ce serait bien de réhabiliter les anciennes citernes pour stocker les pluies du printemps", "faudrait éclairer le terrain de foot (celui au milieu de la forêt)"... S’enivrer, d’envies de faire, de pulsions d’actions légères... spontanément émerge, l’hypothèse de l’énergie collective.

L'Hacienda du 15 mars 2020 : Faire de l’énergie une expérience naturaliste, simple et instinctive, aussi économe que d’être ému par un coucher de soleil de vacances. Contempler l’énergie non raffinée : prêter sa part à une machine collective, dermo-calorique ou à éblouissement du thalamus. Ce sont ces horizons qui nous apparaissent en phosphène, à la fonte de nos tableaux de cire blanche. Nous modelons des horizons lumineux avec des écailles de Pirarucu. Un champ brillant sur un pré au-dessus d’une chapelle, un toit pour accueillir les esprits chassés des forêts qui sèchent et des épicéas fanés. Une annonce météo : localement il fera 85°C à 16h à Avignon-lès-Saint-Claude, une fenêtre en parenthèse du soleil d’octobre.

Nous avons 48 machines solaires. Elles font l’archive d’un paysage en transition : des volutes de scolithes, d’épicéas fanés, de reprises de buis sous la première neige, de chrysalides de pyrales, de peaux de vers. Cette tapisserie de cire d’abeille raconte ce moment particulier pendant lequel ces choses existaient encore et déjà. Par-dessus cet herbier coloré qui fige le changement en 48 mouvements synchronisés : s’enregistrera la latitude, l’heure, la date, le climat, le vent, chaque nuage, chaque voile dans le ciel :

12h00 : allumage de la machine 190°
15h00 : allumage de la machine 210°
17h00 : extinction et récupération des enregistrements du climat du 15/03 à l’@hacienda.avignon

Ce sera mon dernier jour dehors : on a regardé le soleil bien dans les yeux, 48 fois. On n’a eu un petit public : ce sont les circonstances. Circonstances ; un fragment éphémère de temple du soleil a annoncé sans le vouloir, un autre grand changement.

1 Gilles Ivain, Formulaire pour un urbanisme nouveau, 1958

Collective Energy

Cinquecento Soli was first shown in May 2018 in Rome, as part of the exhibition « Take me (I’m yours) », curated by Christian Boltanski, Hans-Ulrich Obrist and Chiara Parisi.
220 reflecting surfaces are collectively organized and individually adjusted to project 220 sunsets into the north-east oriented Loggia of the Villa Medici. The 31st of May, 220 mirrors shifted the Cosmos toward the Villa, as people witnessed the first ever sunset this space had known for 430 years.

The installation was conceived alongside a study on our cultural relationship to energy, as an allusion to the infrastructural landscape emerging in the Mediterranean’s backcountry. It stood as a phenomenological experiment of the contemporary energetic city which territory extends far from its formal limits. As we were focusing on the production of architecture in this landscape, and on the perspectives we could bring to it, we followed two intuitional paths for 500 soli’s conception: Analogue design and Collective energies The installation covers a 35 x 50 m area. It is made of 55 timber pillars distributed on a radial grid. Despite the topographic variations of the Piazzale, each one is standing straight in relation to Earth, and despite its large span, each one is turned the same way towards the sun. The 55 pillars are holding 220 mirrors, individually adjusted to project the reflection of the setting sun to the single space of the Loggia. The installation is built as an individual spatial and temporal experiment, to which we, planners and craftsmen, found ourselves unrelated. Our aesthetic choices, the conceptual and building processes, the layout and the alignments... every of our design decisions were part and parcel of the phenomenon it sought to produce. That’s why it is large and that’s why we aimed for perfection : so it can turn experiential.

The 31st of May, as twilight came, the three-hours phenomenological experiment begun : 500 Soli turned to be a spectacular lecturer of our potential for relating to energy and its substances. The 31st of May, just as plants, many were gathering enthusiasm directly from the sun, just as if they got energized through air and rays. The 31st of may, we witnessed that we could all, instinctively and collectively, use our forgotten photo-receptive cells and synapses to produce a collective energy.

500 soli is one of our first art installation, but that doesn’t mean it has no depth. It has all the depth of years of practice and thinking and projects and drawings… just as if the memories of each and every of our previous works (we had frustratedly done on paper) offloaded into our arms and our screwdrivers and gave birth to the perfect prototype at first attempt. It took us two weeks to conceive, built and install everything. It will take us years to fully understand what we’ve achieved, as the emotional power of the installation is absurdly disproportioned compared to its crafting.

The installation was designed and built alongside a research lead at the Villa Medici on our cultural relationship to energy and its substances which axiom is as follows : we stand at a shifting period of ours where Nature, through its many expressions of violence is challenging every aspect of a modernistic culture built over a blinded confidence into progress. But as Bruno Latour stated, this last has always failed at producing anything but « hybrids»: never has any technical breakthrough been able to solve an issue, and never have its implications refrain from expending out of its area. This way, not only is our technique unable to lead us to some significant progress due to its lack of foresight of interactions, but also the impact of its application tends to worsen some conditions standing out of its scope of expertise or boundaries of governance. And should one overlook the way we are addressing the ecological crisis, one would get the immediate feeling that something, lying deep in our poor abilities of awareness, is dis-empowering us of consistent actions. The resistance we had proofed into learning about complexities of Nature (in the broader of its sens) is such that one could feel our culture was all built upon the belief that We Will Vanquish; culture versus nature eternally. And so we are: still expecting we can face each issue one after the other, without precautions, without predictions, without integration, by adding little knowledge to our global dysfunctional know-how; and even when everything is backlashing to our face.
And how does the ecological concern affects our built landscape? By adding tools and regulations to the designer’s production. And in this process, this last is finding himself narrowed to arranging, again and again, the same materials in the same manners; thus seeing a new, ever-the-same, everywhere-the-same, landscape of boredom emerging. Yet the architectures of energy have beautiful definitions: it is of the Cosmos, of the fluids and the climates, bearing the opportunity to reform our aesthetics and the matters of our mesmerization.

The Villa Medicis is a Renaissance Palazzo. It is built on a hilltop (the Pincio) alongside a Renaissance garden which was designed as both a place for Nature and a gallery to display the art collection of its owner. Therefore, the south-west city-facing facade is plain and sober: to Rome, it is a massive silhouette turning bright orange at twilight, overhanging the overcrowded and mineral Piazza Di Spagna. But for the one invited in, its north-east garden-facing facade is a museum of antic art with views on the peacefulness of Nature. Dug in the center of the building’s volume, mirrored to the grand salon, is the Loggia: a sizable open-air room that conveys people to the gardens through a Palladian-window like opening: a place for beauty and contemplation that has never seen a sunset. Thus the idea was simple: flipping the Cosmos around the Villa and making the sun sets in the Loggia for the first time in 430 years.
We turned ourselves to the objects of our study: the aesthetics and characteristics of the piece would be borrowed to the modern techniques of energy production (when looked at, through the prism of our own perspective). The installation organizes 220 reflecting surfaces (precisely arranged in space and adjusted individually) into an architecture alluding to the infrastructural landscape emerging in the Mediterranean’s backcountry. Thus being for the viewer (the urban highly educated visitor of the exhibition) a first phenomenological experiment of the diffuse and out-of-sight condition of the contemporary energetic city, which territory extends far beyond its formal limits. Therefore, while questioning the local implication of energy production, the piece becomes an invitation to explore a landscape unknown to the visitor, using images of an object he is familiar with.
Focusing on energy and its inherent production of architecture got us to two intuitional paths, the two principles of 500 soli’s conception: Collective energy \ Analogue

I, digging !

The first of intuitions;
no narration nor metaphor preceded
dig first,
big enough,
and see first.

This strain is two century-old. On October 2017, without mechanical means, I removed five tons of soil from the garden of the Villa Medici, and revealed 200 years of natural history.

How much of Rome’s architecture are pines ? How much are they associated to every of the city’s aspects, its many times and many places ? From the Pincio to the ruins of the Fori, along Via Appia or any roads in Latina...
Shall one follow pines, one finds Rome. We have this friendly relationship to them : they are the numerous timber towers sculpting the city ; they plan paths and show ways to the outskirts and beyond ; they are the soulful shadows of Grand Tour paintings’ backgrounds, eloquent in being liken to the eternal city. Yet those giants have other goals and means much more unfamiliar to us. Beneath the surface lies the stage of an other act : an act of soil chemistries and hydraulic states, a micro-topographical stage of geological stratas. In this Kingdom, each tree measures its space, evaluates the consistency of its thick environment, fights and cooperates: with its neighbors, with evolving ecosystems, with the upsides of roads and canals...
We’ve built landscapes, to please the eye, to bind cities to their dependencies, to show the ways to political powers. Beneath the surface lies the oneness of the ecologies of our ‘scapes. It has strong plastics, and understands well.
We see incredulous and with dread that we haven’t figured out much yet.

PERSPICACITY
As attentive to the landscape and biochemical transformation of the tree we were, we also documented the evidences of the perspicacity of a living tree.The whole plastic we’ve unearthed is also to be seen as an historical record of events happening in the soil’s chemistry.
For 200 years, this tree has lived through many different times. It has seen the beginning of the anthopocene, it has know years of smog and high carbon usages, it has known the petroleum crisis, it has lived through the creation of Rome’s underground (piazza d’Ispagna station is right under the Villa), it has lived through the 1963 winter...
And all of this, he has registered in its roots. Root architecture is contextual : it react to the chemistries and climates of the underground and atmosphere. This intelligence and this capacity of understanding of a context is yet not always clear : evidences of a highly predictive understanding of its environment were laying next to, bellow or on top, empirical explorations of its surrounding.
Indeed, for Pr. Stefano Mancuso, pines are shy : they don’t interact with each other, they don’t touch each other, they don’t communicate about the ways to go, the spaces to explore.
It’s looking for those mysteries that drew, thinking that lying behind this wood, was an ecological history of our modernity.